Turner

William Turner (1775-1851) nació y murió en Londres, a la orilla del Támesis, en el corazón de las tinieblas, de donde los grandes barcos partían a aventar un imperio de expolio y racismo por todo el mundo. Cuando William cumplió diez años, tras la muerte de su hermana pequeña, su madre fue ingresada en un manicomio. Su padre estaba orgulloso de sus habilidades como dibujante y tenía la barbería llena de sus dibujos. A los catorce años ingresa en la Royal Academy School, donde adquirirá el dominio de las distintas técnicas pictóricas, sobre todo de la acuarela, que le servirá para poder plasmar los paisajes y las horas de sus vagabundeos; el viaje será una de las características del hombre romántico, el escape de la monstruosa ciudad industrial, en busca de la naturaleza, donde habita la belleza y por tanto la bondad. Con sólo veintisiete años será nombrado miembro de la Academia. Sus constantes viajes, en busca de paisajes, así como el estudio de los clásicos, y los contactos con los más afamados pintores de la época lo convierten en un pintor muy apreciado por una clielentela aristocrática y pudiente.

En 1815 Turner pinta Dido construyendo Cartago. El auge del imperio cartaginés. Tras su primer viaje a Italia, había quedado deslumbrado por la obra de Claudio de Lorena, apareciendo en sus cuadros detalles italianizantes y utilizando esquemas compositivos del pintor francés. Presentó el cuadro en la exposición de la Royal Academy donde recibe críticas diversas pero sir George Beaumont (poderoso diletante y conservador tanto en la política como en el arte, donde denostaba la estética romántica que se quería salir de los rígidos corsés de la Academia) ataca la obra: "El cuadro está pintado de un gusto falso, no conforme con la naturaleza; el color discordante, falto de armonía, se asemeja al de los pintores franceses que hacen sus experimentos en la imitación de Claudio, pero reemplazan su pureza y su justa armonía por violentas contraposiciones de marrones y otros colores cálidos con tonos fríos como los azules y los grises", opina el fundador de la National Galery que el exceso del color amarillo patea el recuerdo de la obra de Lorena, su armonía y su perfección. Turner se negó a vender el cuadro, al que consideraba su obra maestra, además en su testamento lo deja en herencia al estado (además de 320 óleos y 19.000 acuarelas y apuntes), exigiendo que sea expuesto en la National Galery al lado de Puerto con el embarque de la Reina de Saba, lienzo del paisajista barroco, donde el sol naciente se sitúa en el centro del cuadro, en el punto de fuga del horizonte, donde es reclamada la mirada del espectador. El contraste entre la claridad del sol y la obscuridad de las construcciones clásicas, con una perspectiva en fuga, crean un gran efecto de profundidad. La maestría del pintor francés resulta patente y Turner quiere estar a su altura presentando una composición similar, utilizando el tema de Dido, la princesa fenicia que funda Cartago, y que se enamora de Eneas a su vuelta de la guerra de Troya; la princesa enamorada del héroe lo colma de favores y bienes, pero no consigue retenerlo  y al abandonar Eneas Cartago, Dido, desesperada, se quita la vida. Pero el verdadero protagonista de la obra es el sol, la luz. El alejamiento de Lorrain era deliberado en Turner, que al ir "más allá" de la armonía del cuadro clásico, quería demostrar su independencia y como él era capaz de crear una visión propia y del mismo nivel artístico.

Gustaba Turner de acompañar sus obras de poemas que él mismo escribía, como el titulado Las falacias de la esperanza que termina así:
«¡Esperanza, esperanza, falaz esperanza!
¿Dónde está ahora tu mercado?»

Los versos reflejan la depresión por la que pasó en su última época, al morir su padre, con el que convivía. A partir de entonces las pinturas al óleo de Turner se apartan de las formas académicas, salpicando los lienzos de pigmentos y haciendo abundante uso de la espátula y del difuminado. Su técnica respondía a su preocupación, con un color y un tratamiento cada vez más violentos, cada vez más pesimistas, presentando el conflicto de las fuerzas elementales. Los componentes convencionales del paisaje pierden importancia. Todo se convierte en agua y luz. Las figuras desaparecen de los cuadros llenándose estos de color y fuerza creativa.

Partiendo de la acuarela ha conseguido dominar la técnica del óleo consiguiendo plasmar la idea de Hegel "encontrar en la naturaleza exterior un eco que responda a nuestra alma".
De lo bello, de lo pintoresco de la pintura clásica, que era la que demandaban sus compradores, que le habían hecho rico, Turner evoluciona a lo Sublime, una categoría estética, derivada del escritor griego Longino, y que consiste en una belleza extrema que produce una pérdida de la racionalidad y un gran placer estético, llegando a provocar dolor al no poder asimilar tan fuertes sentimientos. Para Kant lo sublime es "lo que es absolutamente grande" y su visión causa un displacer enraizado en el miedo debido a la inadecuación de nuestras ideas con nuestra experiencia. Edmund Burke presenta en 1756 lo bello y lo sublime como dos estados que se oponen, como la luz y la obscuridad. La belleza puede brillar bajo la luz, pero el exceso de esta puede cegarnos, impidiéndonos ver, como en la obscuridad, siendo la imaginación la que nos hace ver algo "oscuro, incierto y confuso" un horror que nos produce el placer estético de lo sublime.
"Ha despojado al sol de su derecho de primogenitura para crear las sombras" esta diatriba lanzada contra Turner, por un reverendo furioso lleno de presunción y de estupidez, refleja el sentir de sus contemporáneos ante sus últimas obras, incluso para Monet, el arte de Turner era un arte fallido, lleno del "exuberante romanticismo de su imaginación", sin darse cuenta de que "el romanticismo es tal vez la más radical e importante revolución mental de los tiempos modernos" (Isaiah Berlin).